L’avis : Les trois premiers épisode de ce tome 3 continuent sur la bonne lancée du précédent. On y retrouve Becky qui se durcit sous l’influence de son arme, Drake qui morfle dans les mains des Chevaliers de Salomon et les habitants de la ville de Penance qui réservent leur lot de surprise. Tout ça est solide et très engageant. Vient ensuite un épisode muet plutôt réussi du point de vue narratif, mais qui souffre d’un manque de crédibilité dans les scènes d’action. J’avais déjà noté le problème dans le tome précédent et je trouve un peu dommage que ça se répète. L’épisode suivant conclut de façon satisfaisante le sauvetage de Drake par Becky et pose quelques jalons pour la suite de l’histoire. Dans tout ça, Brian Hurtt fait toujours preuve de la belle régularité qu’on lui connait. Enfin, le dernier épisode nous fait changer de décor, puisqu’il est consacré à Kirby Hale avec des illustrations de Tyler Crook, lui aussi montrant de belles qualités. Bref, voilà encore un très bon tome de The Sixth Gun. Je me suis cependant surpris en fermant le bouquin à avoir envie de voir arriver rapidement la conclusion. Or, d’après la dernière interview de Cullen Bunn que j’ai pu lire, on est parti pour une cinquantaine d’épisodes, soit encore au moins autant que ce qui est déjà paru en TPB. J’espère ne pas me lasser avant l’heure. En tout cas, je signe pour le tome 5, c’est sûr.

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L’avis : Ça faisait deux tomes que Kirkman faisait souffler un vent d’optimisme sur The Walking Dead. Bien entendu, personne n’était dupe et on se doutait bien que c’était pour mieux se prendre une grosse claque dans la foulée. Et bien, vous en aurez deux pour le prix d’une, puisque pas moins de deux des protagonistes principaux passent de vie à trépas. La première mort est aussi subite qu’inattendue. A ce titre, ma première impression a été celle d’un gâchis. Pourquoi donc éliminer avec autant de nonchalance un personnage aussi intéressant ? Mais je me suis rapidement rappelé que c’est justement ce qui fait l’intérêt de cette série : tout peut arriver à n’importe quel moment et personne n’est à l’abri. La deuxième mort est beaucoup plus mise en scène et son impact est plus fort, déjà parce qu’il s’agit d’un personnage présent depuis les débuts de la série, et puis aussi par la violence, graphique autant que psychologique, des circonstances de sa mort. Au passage, on découvre Negan, le chef des Saviors. Avec lui, on est pas dans la nuance de gris. C’est un salop de la pire espèce, cruel, froid et calculateur. Bref, vous l’aurez compris, Kirkman fait ce qu’il sait faire de mieux : du scénar choc, asséné à coup de batte de baseball (en l’occurrence, celle de Negan est garnie de fil barbelé, parce que sinon, ça serait trop doux). A côté de ça, il y a relativement peu de matière à réflexion. Kirkman prend tout le même le temps de développer certains de ses personnages, notamment la relation entre Rick et Andrea, Sur le plan technique, comme d’habitude, la narration de Kirkman n’est pas toujours très fluide et les dessins d’Adlard sont toujours aussi solides. Tout ça fait un récit vraiment pas fin, mais qu’on avale en deux coups de cuillère à pot. Simple, brutal, mais efficace, en somme. Allez, la suite, svp !

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L’avis : Le tome précédent de Scalped, un des meilleurs de la série, s’est terminé sur un cliffhanger de folie. Voilà donc une bonne raison de se jeter sur ce dizième et ultime volume, mais je dois bien dire que j’avais tout de même une pointe d’appréhension à l’idée que la conclusion de l’histoire ne soit pas à la hauteur de cette fabuleuse série. Et bien, après lecture, aucune déception, loin de là.

De façon surprenante après ce fameux cliffhanger, Jason Aaron coupe les gaz en début de volume. Il introduit même un ellipse de huit mois durant lesquelles la pression retombe complètement. Dash, en particulier, semble apaisé et près à tourner la page. Bien entendu, le calme n’est que temporaire. Jason Aaron relance la machine à coup de pied dans le cul jusqu’à une scène d’affrontement généralisé dans un casino en mode feu d’artifice. Toute cette mécanique de violence est diablement efficace et fait la part belle au personnages, comme toujours. Le seul petit bémol que j’émettrai concerne le relation entre Dash et Red Crow que j’ai trouvé un chouïa forcé par instant. Il y a en particulier une première scène d’affrontement dans un cimetière qui, à mon avis, n’était pas indispensable. Mais ce qui est surtout remarquable dans cette conclusion, et dans le dernier épisode en particulier, c’est la façon dont les personnages ont évolué. Ce qui est assez tragique, c’est que tout ce changement revient à une sorte de chaise musicale. Carol prend la place de Granny poor Bear, Maggie Rock Medicine celle de Carol, Red Crow celle de Catcher, Dino celle de Red Crow. Quant à Dash, il a fait un tour complet pour se rassoir différent, mais à la même place. Dans tout ça, le sentiment est fort que personne, ni chacun des personnages, ni la réserve indienne dans son ensemble, n’a gagné quoi que ce soit dans l’histoire.

Jusqu’au bout, Scalped n’aura pas déçu. C’est pour moi l’une des meilleures séries de BD jamais produites qui s’achève, tous genres confondus. Tout ce que j’espère maintenant, c’est que Jason Aaron arrête de traire la vache à lait Marvel, ou tout du moins arrête de ne faire que ça, car son écriture va me manquer. Quant à R.M. Guéra, excellent sur ce tome cela dit en passant, je le retrouverai avec plaisir sur l’adaptation de Django Unchained, mais j’espère surtout qu’il trouvera un nouveau projet à la hauteur de ce qu’a été Scalped.

Pour voir : rien trouvé pour ce tome, mais vous pouvez toujours jeter un oeil à un ancien numéro
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L’avis : Je n’ai pas trop l’habitude d’acheter des rééditions au format grand luxe tel que ces Absolute proposés par DC. La seule exception jusqu’ici, je l’ai faite pour Planetary. Alors, pourquoi donc cet Absolute Dark Knight ? Parce que mon édition Zenda en VF de The Dark Knigth Returns ne me satisfaisait plus ? Pour mon amour de cet abruti de Frank Miller ? Ou parce que je n’en pouvais plus de ne jamais avoir lu The Dark Knigth Strikes Again ? Non, rien de tout cela. C’est juste que j’ai eu l’occasion de me l’offrir pour 10€ suite à une monumentale erreur de prix d’Amazon. Merci Amazon ! L’acheter, c’est bien, mais le lire, c’est mieux. J’aurais mis trois ans et demi à le faire. Il faut dire que le bouquin fait son poids et n’est pas facile à manipuler. Difficile de le trimballer dans le tram en allant au boulot. J’ai donc profité d’une semaine de vacances pour enfin lui faire un sort. Résultat ? L’impression est plus que contrastée.

D’un côté, j’ai pris un plaisir certain à lire The Dark Knigth Returns en VO pour la première fois. L’œuvre a plutôt bien vieilli, même au dessin. C’est méchant, nerveux, délicieusement cynique et la narration de Miller a du souffle, sans conteste. Clairement, parmi les classiques des années 80, ce n’est pas le plus subtil, mais il tient quand-même bien sa place.

Avec The Dark Knigth Strikes Again, la chute de niveau est vertigineuse. Il n’y a franchement pas grand chose à garder. Mis à part quelques idées rigolotes (Flash coincé dans sa roue à hamster, par exemple), le scénario n’a pas grand intérêt. La narration est bordélique à souhait, entrecoupée à l’écœurement par les commentaires débiles de téléspectateurs ou de bimbos ridicules. A la fin, je me contentais de diagonaliser ces passages. Quant au dessin, c’est du Frank Miller plus que décontracté. Certaines pleines pages ne valent même pas une dédicace faite en 3 minutes sur un coin de table et ce n’est pas la colorisation criarde qui va combler le vide. Bref, Frank Miller a fait un énorme pied de nez à DC tout en encaissant leur chèque, sauf que, au passage, il s’est aussi royalement foutu de la gueule de ses lecteurs.

Au final, je ne suis pas mécontent de mon investissement. Dix euros pour la VO d’un classique dans une emballage de très belle facture, c’est parfait. Pour pouvoir vraiment en profiter, il faut juste oublier la seconde partie de l’ouvrage.

Pour voir : la planche la plus célèbre de DKR
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L’avis : Pour la première fois depuis le début de la série, Sweet Tooth s’autorise une digression dans un passé où aucun des protagonistes habituels ne figure. En effet, les trois premiers épisodes de l’ouvrage font le récit d’une expédition chez les Inuit au début du siècle où, apparemment, l’épidémie a pris source. Une explication (provisoire ?) est fournie, avec un premier enfant hybride qui ressemble fort à Gus, mais sans qu’on sache quelle est la relation exacte entre les deux. Tout ça est passionnant et laisse une part de mystère pour plus tard. Comme en plus, Lemire laisse le crayon à Matt Kindt, le dessin participe au sentiment de fraicheur qu’apporte cette digression.

Ensuite, Lemire reprend la main et le court de l’histoire par la même occasion. L’intrigue avance et conclue l’histoire du barrage qui avait été entamé dans le tome précédent. Au passage, un nouveau personnage est introduit, un autre disparaît. Dans l’ensemble, tout ça se lit bien avec de l’action et le développement de la personnalité de certains personnages. Mention spéciale à Bobby, le plus attachant des hybrides. Bref, Lemire nous propose encore une très bonne lecture, même si je commence à être impatient que toute cela se conclut. Ça tombe bien, le prochain tome sera le dernier.

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L’avis : Le tome précédent a sévèrement bousculé le status quo. Je me demandais comment la série allait rebondir. Et bien, de fort belle manière. En préambule, on retrouve The Tinker, toujours à la recherche de sa bien-aimée dans le monde des escaliers. Il y rencontre Pauly, le lapin toujours aussi irascible et agressif. Ca donne un épisode à la fois drôle et touchant, avec un Peter Gross fort bien assisté par Rufus Dayglo au dessin. Ensuite, retour dans le monde normal (quoique, de moins en moins normal, depuis qu’on y trouve des licornes parlantes). Carey et Gross font une ellipse d’un an, remettent Tom, Richard et Rauch en selle dans de nouvelles postures et introduisent de nouveaux personnages qui seront clairement importants pour la suite. Le dernier épisode, peut-être le moins réussi des six, revient en arrière et remplit une part de l’ellipse. Mis à part le premier épisode, on retrouve Peter Gross seul au dessin. Ca faisait longtemps, et le moins que l’on puisse dire, c’est qu’il revient en forme, surtout sur les premiers épisodes. L’élégance et la finesse de son trait m’avait manqué. C’est vraiment un artiste sous-évalué selon moi. Bref, The Unwritten ne fléchit toujours pas et on ne va pas s’en plaindre.

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L’avis : Ce nouveau tome de The Unwritten s’organise de la façon suivante : cinq épisodes qui forment l’intrigue principale, intercalés par autant d’histoires qui explore le passé de la cabale, avec Pullman bien souvent au centre des évènements. Cette structure pourrait sembler hachée, mais, au final, ça fonctionne très bien en TPB.

L’intrigue principale est remplie d’action. Tom, franchement énervé par les évènements du dernier tome (on le serait à moins), passe à l’offensive. Ça se traduit par une série d’affrontements qui va laisser beaucoup de monde sur le carreau. Le moins qu’on puisse dire est que les auteurs bouscule le status quo, à tel point qu’on pourrait se demander comment ils vont rebondir après. Heureusement, ils ouvrent quelques portes qui donnent un peu de perspective. Cette partie de l’ouvrage se lit donc très bien, avec juste deux bémols. Le premier est l’affrontement final avec Pullman qui m’a laissé un peu sur ma faim. Le second concerne le dessin, puisque Peter Gross, qui ne réalise que le gros des crayonnés, laisse les finissions à M.K. Perker et c’est loin d’être un bon mariage. Le tandem produit les moins belles planches que cette série ait jamais connu.

Les épisode intercalaires oscillent quant à eux entre le très bon et l’excellent. Ces digressions historiques pour la plupart, ou mettant en scène des personnages secondaires, enrichissent considérablement l’univers de The Unwritten. Certains épisodes sont de véritables perles, notamment les origines de Anna Rauch, d’une rare intensité. C’est d’autant plus vrai que sur le plan graphique, il n’y a rien à redire. Quant Peter Gross officie, c’est cette fois avec les « finisseurs » de grand talent (Dean Ormston et Vince Locke). Quant il s’efface complètement, il est remplacé par des pointures comme Geary, Talbot, Erskine et Kaluta. Seul le dernier épisode est pris en charge par un inconnu (pour moi), Gabriel Hernandez Walta, qui ne démérite pas le moins du monde.

Bref, les courtes histoires qui émaillent le récit feraient presque oublier les bémols que j’ai exprimé sur l’intrigue principale et, au vu de leur qualité, je trouve le moins qui ponctue mon A presque superflu. The Unwritten reste une des meilleures séries du moment. Mangez en ! D’ailleurs, moi, j’enchaine avec le volume 7 que j’ai reçu il y a peu.

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L’avis : Franchement, lorsque cette série a été annoncée, je me disais qu’il n’y avait aucune chance pour que je la lise. Les très bonnes critiques aidant, je me suis finalement laissé tenté par cette version trash de Teen Titans et je ne le regrette pas. C’est effectivement beaucoup plus original que ça en a l’air. Le scénario est complexe et bénéficie d’une narration aussi exigeante qu’efficace. Quant au dessin, il montre de grande qualités techniques. Bref, voilà deux auteurs dont je n’avais jamais entendu parlé, mais qui n’ont visiblement rien de débutants. La seule chose à regretter, c’est que le tome est trop court et se termine sur un goût de trop peu. Et comme la suite n’est pas près de sortir, la série étant en stand-by depuis des mois suite un problème personnel du coloriste (très bon aussi, cela dit au passage), il va falloir être patient.

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L’avis : Ce troisième opus d’American Vampire s’inscrit dans la lignes droite des deux tomes précédents. On change à nouveau de décennie pour mettre les protagonistes en face des méchants de l’époque, soit les japonais et les allemands, qui chacun dans leur style se sont accoquiné avec les vampires. Dans l’ensemble, la lecture est plaisante. C’est bien écrit, bourré d’action et Snyder décline la mythologie des vampires de façon fort intéressante. On découvre de nouvelles races de vampires, nouvelles ou archaïques, et les relations qu’elles entretiennent. En revanche, mon enthousiasme bute toujours sur les deux mêmes éléments qui sont autant de défauts pour moi. D’une, l’espèce de romantisme à l’eau de rose qui lie les personnages me laisse totalement froid. De deux, nombres de scènes d’action ne sont pas crédibles pour un sou, ce qui fait des rebondissement qui tombent à plat. Tout ça est quand même un peu gênant.

Côté dessin, on a le droit à un hors-d’œuvre offert par Danijel Zezelj, ce qui est toujours un plaisir. Ensuite, on retrouve Rafael Albuquerque qui n’est pas mon dessinateur préféré, loin s’en faut, mais qui délivre dans l’ensemble une belle prestation, avec juste quelques planches moins réussies que d’autres. Enfin, on a le droit à un feu d’artifice tiré par Sean Murphy. C’est en grande partie grâce à lui que le dernier volet de l’ouvrage est le plus réussi. Vraiment du très joli travail !

Au final, je ne sais pas trop sur quel pied danser avec cette série. D’un côté, j’ai des réticences sur des éléments qui sont au cœur de la série : les personnages de Pearl et Henry, leur relation amoureuse tartignole et les dessins d’Albuquerque qui ont du mal à m’emballer. Si on ajoute à ça quelques roulements d’yeux dans les scènes d’action, il y a largement de quoi ne pas chercher à aller plus loin. Cela dit, je suis quand-même très tenté de continuer à lire cette série pour voir où elle mène. Nous verrons lorsque sortira le vol. 4 si l’envie est toujours là.

Pour voir : le travail de Zezelj, Albuquerque et Murphy
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L’avis : Il y a quelques mois, je vous ai chroniqué le dernier opus en date de la saga Nexus. Cette fois, il s’agit de la réédition des tout premiers épisodes, publiés au début des années 80. N’ayant jamais eu l’occasion de les lire, j’étais à la fois impatient et anxieux de combler cette lacune. L’appréhension venait du fait que, possiblement, les débuts de cette série mythique n’était peut-être pas à la hauteur de mes souvenirs.

De fait, j’ai bien cru au début de ma lecture que l’intérêt était limité. Tout d’abord, côté scénario, j’ai été surpris de constater que la plupart des personnages et de l’environnement que j’ai connus sont introduits dès les premiers épisodes. Je m’attendais plutôt à voir les choses se construire peu à peu. Or, si tout est déjà là dès le début (à l’exception notable de celui à qui Nexus doit ses pouvoirs, ce qui reste pour l’instant un mystère), quelles surprises pouvait-on attendre ? Côté dessin, Steve Rude montre de grandes qualités dès le premier épisode, mais il présente encore quelques faiblesses de jeunesse. Comme le rythme de la narration n’est pas non plus sans défaut, je commençais à me dire que cette lecture, sans être déplaisante, n’était peut-être pas indispensable.

Au fil des épisodes, l’enthousiasme est monté. Le scénario introduit de nombreux personnages que je ne connaissais pas dans des histoires ayant à la fois le souffle qu’on attend d’une saga cosmique et les bizarreries burlesques qui font la marque de fabrique de Nexus. Certains moments sont vraiment savoureux. Et puis, surtout, Steve Rude ne tarde pas à atteindre son rythme de croisière et c’est aussi beau, élégant et riche de détails qu’on pouvait l’espérer. Au bout d’un moment, il cède la main pour l’encrage à Eric Shanower et le trait gagne encore en précision. On a aussi le droit à quelques mini-chapitres pris en charge par des dessinateur invités (Bill Willingham, par exemple), qui n’ont pas le niveau de Rude, mais qui ne démérite pas. L’impression mitigée du début a donc rapidement fait place à beaucoup de plaisir et c’est sans hésitation que je vais enchainer sur le second omnibus, qui sort incessamment sous peu.

Pour voir : les premières pages de l’ouvrage, mais allez voir aussi un aperçu du vol. 2, plus représentatif de la qualité du dessin
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L’avis : Le pitch tel que je viens de l’écrire résume assez bien le cœur de l’intrigue, mais ne pensez pas que Saga est une simple romance sur fond de science-fiction. C’est effectivement un peu ça, mais l’épaisseur du récit réside dans la richesse du casting et la multitude d’idées originales que Brian K. Vaughan injecte en continu au fil de l’histoire. Vous y trouverez dans le désordre une famille royale mi-homme, mi-écran de télévision, un chat détecteur de mensonge, un vaisseau maison close où des orgies pas toujours recommandables prennent place, une fantôme baby-sitter, des artefacts magiques, des arbres-fusées, des races d’extra-terrestres aux allures parfois surprenantes, et j’en passe. Vous y trouverez aussi une galerie de personnages fort intéressants au service d’un récit enlevé, parfois drôle ou touchant. Fiona Staples se fait visiblement plaisir à illustrer tout cela, et nous avec. Bref, Saga est une vraie grosse nouveauté à ne pas rater. J’attends avec impatience la suite.

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L’avis : Tout comme avec les premier et deuxième volumes, 100 Bullets est à la hauteur de sa réputation. Plus ça va, plus l’intrigue générale tournant autour des relations entre le Trust et les Minutemen, avec Graves et Shepherd en points d’articulation principaux, prend de la place. Le gimmick de la mallette avec le flingue et les cents balles intraçables n’est plus là qu’en pointillé. La longueur des arcs a plutôt tendance à s’allonger, il me semble. En tout cas, la lecture se complexifie un peu dans la mesure où on se demande souvent quel est la place de chacun des personnages dans l’intrigue. Comme d’habitude, le script brille de par les qualités de dialoguiste de Brian Azzarello. Parfois, c’est tellement virtuose que ça empiète un peu sur le réalisme, mais ça serait chipoter, car, dans l’ensemble, c’est un bonheur à lire. Azzarello arrive également à donner beaucoup d’âme à certains de ses personnages secondaires. Je pense notamment à ce trompettiste de Jazz dont le sort prend vraiment aux tripes. Côté graphique, Eduardo Risso ne laisse sa place à personne, ce qui est une très bonne chose. Alors, bien entendu, il y a des épisodes où on sent bien que, pris par le temps, le traits est moins précis, plus vite expédié, mais certaines planches sont fabuleuses et, là encore, ce serait faire la fine bouche que de se plaindre. Bref, je continue à me régaler et j’attends impatiemment la suite.

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L’avis : Grosse claque que cette réinterprétation totale du personnage créé il y a 20 ans par Rob Liefeld. Plus qu’une réinterprétation, il faudrait parler d’une anti-thèse, car autant Liefeld a toujours été incapable de monter la moindre lueur d’intelligence dans son travail, autant Brandon Graham bouillonne d’idées, chacune plus surprenante et originale que l’autre. Les aliens, les armes et outils, les paysages, les constructions, tout est prétexte à titiller les neurones et la rétine. En ça, l’ouvrage est tout à fait remarquable.

Côté scénario, les trois premiers épisodes sont relativement linéaires : John Prophet trace son chemin dans un monde dévasté et croise au passage toute sorte de créatures étonnantes. On ne sait pas vraiment quelle est sa mission, mais qu’importe, c’est plein de bonnes idées et Simon Roy assure au dessin. Ensuite, on a le droit à trois histoires franchement plus barrées, mettant en scène d’autres John Prophet. Pour la peine, le récit devient plus ou moins incompréhensible, mais pas moins fascinant, ni moins bien illustré. Ma préférence va tout de même à l’épisode 5, d’une rare poésie, et pour lequel Brandon Graham prend également le crayon. C’est un pur bonheur. A lui seul, ce TPB vaut son prix.

Alors, au final, le sentiment de ne pas comprendre grand chose est très fort, ce qui va sans nul doute dérouter pas mal de lecteurs. Mais, si vous aimez la SF intelligente et savez vous laisser mener sans trop chercher à comprendre où on vous mène, prenez la main de Brandon Graham et faites bon voyage.

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L’avis : La première mini-série de Bulletproof Coffin, que j’ai adoré, n’appelait pas forcément une suite, mais, visiblement, Hine et Kane ont eu envie de remettre le couvert, et c’est tant mieux. Soyez prévenu tout de même, le deuxième opus est encore plus barré que le premier, et plus déstructuré. Après la lecture des deux premiers épisodes, j’ai cru qu’on allait avoir droit à une collection d’histoires plus ou moins indépendantes mettant en scènes chacun des « superhéros » (notez les guillemets) du premier volume, mais non, ça aurait été trop simple. Ça part vraiment en sucette avec le quatrième épisode qui propose un kaléidoscope en 84 vignettes sans aucun ordre. C’est du surréalisme pur et dur. Vient ensuite un épisode tout en pleines pages et prose qui raconte l’histoire des soldats zombies au Vietnam. Quand au dernier épisode, il n’a rien à voir avec le reste, si ce n’est que la conclusion reboucle avec les premières pages du premier épisode, histoire de court-circuiter les derniers neurones encore valide du lecteur. Personnellement, ça m’a laissé un peu pantois, mais j’ai beaucoup aimé le trip, avec juste un bémol pour l’épisode des 84 cases. A noter les faux éditoriaux de Destroyovski qui entament et concluent chaque épisode et qui rajoutent une couche au délire. Très clairement, Bulletproof Coffin, et ce tome en particulier, ce n’est pas pour tout le monde, mais si la perspective de vous laisser porter par la bizarrerie de deux esprits originaux et fous vous intéresse, faites confiance à David Hine et Shaky Kane.

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L’avis : Tout comme dans S.H.I.E.L.D, Jonathan Hickman réinvente l’histoire de quelques grands intellectuels. Cette fois, le cadre n’est pas le petit monde des superhéros Marvel, mais un univers de SF gentiment loufoque. On y croise un Einstein maléfique, un Oppenheimer cannibale, un Von Braun à moitié robotisé, un Roosevelt transformé en intelligence artificielle, et j’en passe. Face à eux, des extra-terrestres hauts en couleur et des robots japonais kamikazes. Tout cela prête à sourire, mais pas seulement, car certains personnages sont vraiment inquiétants. Le scénario n’est pas linéaire et jongle allègrement entre les personnages et les situations avec une grande habileté. Nick Pitarra propose des illustrations qui ne sont pas sans rappeler le trait de Frank Quitely. Les mises en pages sont efficaces, les personnages expressifs et, globalement, c’est très plaisant à lire. On peut cependant lui reprocher une certaine raideur dans les postures et les scènes en mouvement en pâtissent clairement. Au final, pas mal de choses sont mises en place et c’est un peu tôt pour dire si ça va tenir ses promesses, mais, en tout cas, le scénario est suffisamment intriguant et original pour que j’ai très envie de lire la suite.

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L’avis : Mignola et Arcudi semblent avoir pris le partie de faire de B.P.R.D. une série d’histoires mettant en scène deux des personnages principaux seulement, quitte à laisser en suspend les autres éléments de l’intrigue. Cette fois, nous avons le droit à deux histoires de longueurs identiques et tout à fait distinctes.

La première, The Devil’s Engine, sert essentiellement à mettre en place la relation entre Devon et Fenix. Certes, il y a pas mal d’action, puisque le tandem passe son temps à essayer d’échapper aux griffes de monstres résolument carnivores, mais l’essentiel n’est pas là. Devon et Fenix apprennent à se connaître, et même à s’apprécier. Mon petit doigt me dit que tout ça pourrait évoluer sur la romance, mais je peux me tromper. En tout cas, ça se lit bien, les dialogues sonnent justes et Tyler Crook assure. Mon seul bémol, mineur, réside dans la façon dont Devon se transforme subitement en bête d’action et de bravoure, lui qui était plutôt pitoyable dans ce registre jusqu’ici. J’ai trouvé ça assez peu crédible.

Avec The Long Death, changement de ton. Johann organise une expédition pour retrouver Daimio et ça vire très vite au carnage. L’histoire est résolument plus gore et la psychologie des personnages cède le pas face aux scènes de combats sanglants. Sur ce terrain, James Harren, un dessinateur que je ne connaissais pas, se révèle diablement efficace et percutant. Le scénario offre une conclusion dramatique qui m’a plutôt surprise. Je suis vraiment très curieux de savoir les conséquences que ça va avoir, en particulier comment Abe et Kate vont réagir aux actions de Johann.

Mon sentiment général est donc toujours aussi positif. Même si la narration est plus linéaire qu’elle ne l’a été et que ce tome n’est pas le plus riche en interactions, Mignola et Arcudi continuent à nous servir des scénarios intéressants en plantant habilement les germes des évènements à venir. Quant au dessin, si Tyler Crook se maintient à ce niveau et continue de laisser la main à des remplaçant de la trempe de James Harren, la série n’a pas de soucis à se faire.

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L’avis : Mignola et Arcudi laissent plus ou moins de côté les éléments d’intrigues développés dans le tome précédent. Abe et Devon ne font donc que de brèves apparitions. Kate et Johann occupent le devant de la scène. Face à eux, Iosif, un personnage introduit dans une des mini-séries Abe Sapien que malheureusement je n’ai pas lue. J’ai décidé de ne plus être un complétiste de l’univers Hellboy et c’est la première fois que je m’en mords les doigts. Le personnage est vraiment intéressant et j’aurais aimé en savoir plus sur ses origines. Cela dit, ça n’a pas de réel impact sur l’histoire racontée dans ce tome, une histoire solide et agréablement illustré par Tyler Crook. J’ai trouvé encore assez difficile de ne pas penser à Guy Davis tellement il a marqué la série, mais Tyler Crook s’en sort bien. Il est peut-être moins performant que son illustre prédécesseur dans le registre des monstres et de l’horreur, mais j’aime la douceur de son trait et l’expressivité de ses personnages. A noter qu’un certaine continuité graphique est assurée par le fait qu’il s’est basé pour ce tome sur le travail préparatoire de Guy Davis, sans oublier la supervision de Mignola, comme l’atteste la section d’esquisses de l’ouvrage. En parlant de bonus, on a également droit en guise d’épilogue à quelques pages illustrées par Duncan Fegredo. Elles font le lien entre les derniers évènements concernant Hellboy et l’histoire personnelle de Kate. Là encore, bonne lecture. Sur ce, j’enchaine directement avec le tome suivant qui est déjà paru, en pariant sans grand risque que ça va se maintenir au niveau de qualité auquel cette série nous a habitué.

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L’avis : Le hasard a fait que j’ai reçu à peu près en même temps la réédition du tome 2 de Saga of the Swamp Thing et le premier tome de la nouvelle mouture du personnage proposée par DC. Voilà donc une très bonne occasion de faire une lecture comparée des deux approches. Ce qu’on peut tout d’avoir dire en substance, c’est que Scott Snyder s’inscrit dans la ligne droite du classique d’Alan Moore, mais avec une approche de l’écriture radicalement différente. On retrouve les mêmes personnages ou leurs variations (Alec en chair et en os, Abby version rock’n'roll, le petit frère Arcane plutôt que l’oncle). On se laisse également envahir par la même atmosphère d’horreur teintée de métaphysique. A part ça, rien à voir. Là où Alan Moore s’épanchait longuement dans une prose ciselée mais parfois indigeste, Scott Snyder passe essentiellement par les dialogues et l’horreur graphique. Autant vous dire que ça se lit beaucoup plus vite. Et ça se lit très bien. L’écriture précise et efficace de l’auteur permet de bien mettre en place les concepts centraux de sa relecture du mythe Swamp Thing tout en faisant avancer l’intrigue rapidement.

Le succès de l’ouvrage tient aussi largement à la prestation de Yanick Paquette au dessin, vraiment très inspiré. Là aussi, gros contraste avec le travail de Bissette et collaborateurs sur le Swamp Thing d’Alan Moore. C’est résolument plus moderne dans le trait et la composition. Cela dit, tout comme Bissette, Paquette expérimente beaucoup avec des mises en page complexes et osées. Le sens de lecture n’est parfois pas évident, il faut le dire, et ça ralentit le rythme de la narration, mais c’est peut-être l’effet recherché et, quoi qu’il en soit, c’est sacrément joli à regarder. A noter également que Marco Rudy, qui n’intervient que sur un épisode pour soulager Paquette, ne démérite pas du tout.

Bref, je trouve ce reboot de Swamp Thing très réussi. On est clairement dans la même veine que le nouvel Animal Man et c’est fort logiquement que les deux histoires vont se rejoindre bientôt. Comptez sur moi pour vous en parler d’ici quelques mois.

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L’avis : Si vous êtes un habitué des lieux, vous vous êtes peut-être demandé pourquoi je mettais autant de temps à pondre une nouvelle chronique. Et bien, cela tient en partie au fait que j’ai eu peu de temps pour lire ces dernières semaines, mais aussi au fait que je me suis attaqué à une lecture qui s’est avéré laborieuse, celle du deuxième tome de Saga of the Swamp Thing. J’avais pourtant apprécié le premier volume, mais là, j’ai eu le plus grand mal à entrer dedans et je me suis surpris à très souvent reposer le bouquin après la lecture d’un épisode seulement.

L’ouvrage commence par Swamp Thing qui enterre les restes de son propre corps (enfin, celui d’Alec Holland) pour faire la paix avec sa nature d’homme-plante. Intéressant, mais pas passionnant et en tout cas pas aussi touchant qu’escompté. Vient ensuite le plus gros morceau, trois épisodes de la série régulière plus un annuel, qui fait basculer l’histoire dans l’horreur à grand renfort d’insectes grouillants, de corps torturés et de damnés en souffrance. Au passage, tous les personnages de la partie occulte de l’univers DC jouent les guest stars. Certains passages ont beaucoup d’intensité et ont généré un véritable malaise chez moi, mais c’est quand-même globalement très bavard. L’épisode suivant, intitulé Pog, est probablement le plus réussi. Les extraterrestres ont des têtes de mignons jouets, mais leur histoire est plus touchante et tragique que drôle. Vient ensuite un épisode constitué en partie par une réédition d’un classique de Len Wein et Berni Wrigthson dans lequel on apprend qu’il y a eu d’autres Swamp Thing avant Alec Holland. Enfin, le bouquin se conclue par Abby qui déclare maladroitement sa flamme à Swamp Thing avant de s’embarquer avec lui dans un trip sexuel psychédélique. L’idée de mettre en scène la relation intime entre une femme de chair et un homme-plante est excellente, le dessin de Bissette et Totleben est particulièrement réussi, mais l’écriture, aussi virtuose soit-elle, m’a laissé complètement froid. En d’autres mots, j’ai eu le sentiment d’assister à une scène de sexe hyper-intellectualisée, tout dans la sensation, mais sans chaleur et sans impact émotionnel.

Au final, je suis plutôt déçu par ce second tome et je ne lirai pas la suite. C’est très bien écrit, mais souvent au dépend de l’émotion. C’est globalement très bien illustré, mais aussi assez daté. Et puis, on sent bien que ça a été extrêmement novateur à l’époque, mais Vertigo, que Swamp Thing a largement contribué à faire naître, est passé par là depuis et l’impact n’est pas ce qu’il aurait été si je l’avais lu à l’époque. D’ailleurs, je viens d’entamer le Swamp Thing actuel de Snyder et Paquette. On verra ce que ce vent de modernité ajoute ou retire au personnage.

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#10 – Sweets: A New Orleans Crime Story
Un polar urbain de facture assez classique, mais remarquablement bien mis en scène par Kody Chamberlain, un nouveau venu aussi doué à l’écriture qu’au dessin.

#9 – Xombi
Du superhéros conceptuel, original et un peu dingue, avec quelques pointes d’humour pour la légèreté, le tout servi par un Frazer Irving au trait élégant et à la mise en couleur hors normes.

#8 – The Stuff of Legend vol. 3: A Jester’s Tale
L’épopée des jouets dans le sombre monde continue, avec toujours des personnages bien construits, du rythme et le très beau travail de Charles Paul Wilson III au dessin.

#7 – King City
400 pages d’un récit gentiment barré, sexy, bourré d’action et de drôlerie, avec une pointe de romance et une armée de chats hallucinants. Impossible de résister au talent de Brandon Graham.

#6 – Daredevil by Mark Waid vol. 1
Très bonne reprise en main de l’homme sans peur avec beaucoup d’intelligence dans l’écriture, le tout mis en scène par un duo de dessinateurs pleins d’élégance.

#5 – 100 Bullets: The Deluxe Edition Book 1 & Book 2
Un polar à histoires indépendantes reliées par un mystérieux fil rouge. C’est bien construit, remarquablement dialogué et le dessin de Risso n’est pas en reste. Un classique qui mérite de l’être.

#4 – Criminal vol. 6: The Last of the Innocent
Un thriller très maitrisé, tout en ambiguïté morale. Une des meilleures collaborations du tandem Brubaker-Philips à ce jour, et ce n’est pas peu dire quand on connait la qualité de leur production.

#3 – The Unwritten vol. 5: On to Genesis
Toujours aussi intelligemment écrit et élégamment illustré, The Unwritten impressionne par la qualité de sa narration. Une série à ne surtout pas manquer.

2 – Locke & Key vol. 4: Keys to the Kingdom
Une narration variée, intelligente et inventive, au service d’une intrigue passionnante, avec un joli coup de théâtre final. En prime, un dessin aussi bon que constant. Vivement la suite !

And the winner is…

#1 – Scalped vol. 9: Knuckle Up
Avant même sa conclusion, Scalped confirme son statut de série culte. Les pièces du puzzle s’emboitent et s’enflamment. Un ballet de violence et d’émotion.

Et voilà ! Scalped a été de tous mes best of depuis quatre ans. Il fallait bien qu’il arrive sur la plus haute marche du podium à un moment donné. A noter que, techniquement, le vol. 8 aurait dû faire partie du palmarès, et même du top 5, mais j’ai préféré laisser la place à d’autres titres. L’avenir dira comment se placera le tome final que je n’ai toujours pas lu à cette heure.

Si Scalped est indéniablement le vainqueur du palmarès, j’ai eu bien du mal à départager les places de 2 à 5. Aucun n’a été noté A+, mais ce sont tous d’excellents ouvrages à mettre entre toutes les mains.

Au-delà de Scalped, DC sort grand vainqueur de mon palmarès avec quatre titres, dont trois Vertigo. Quand on sait que 2012 aura vu le départ de Karen Berger de la tête de ce coin magique de l’univers comics, il y a de quoi avoir des regrets.

Le quatrième titre DC appartient à leur univers superhéroïque. Avec Daredevil pour Marvel, c’est la première fois que les deux géants du comics mainstream sont présents dans mon palmarès. Comme quoi on arrive encore à faire de bonnes soupes dans des vieilles casseroles. En revanche, moins d’indépendants que d’habitude au classement cette année. C’est assez étonnant, car je ne me sens pas un goût retrouvé pour DC et Marvel au détriment de la production indépendante. Mais bon, de fait, quelques titres mainstreams sont sortis du lot, alors que les indés ont peiné à m’enthousiasmer vraiment. Image se maintient avec deux titres. Dark Horse disparaît du top ten malgré un ou deux titres pas loin sous la barre.

A noter aussi la prédominances des polars dans ce classement. Pour les amateurs du genre comme moi, la période fut faste, même s’il est vrai que 100 Bullets n’est qu’une réédition.

Au final, 2012 n’aura pas été une mauvaise année, mais pas une grande non plus, bien moins bonne que 2011 en tout cas. Surtout, elle aura été pauvre en nouveauté marquante. Espérons que 2013, année de la fraise, sera plus juteuse.